La cerámica es una disciplina que ha venido bordeando los límites entre el arte y la artesanía, pero lo cierto es que grandes artistas de nuestro tiempo, incluyo el siglo XX, se han acercado a ella y la muestra es su exhibición en los museos de todo el mundo.

La exposición que nos presenta Francisco Galvez con ocasión de sus treinta años de trabajo continuado, acredita la afirmación de que la cerámica, cuando require de un proceso muy elaborado y de la imaginación creativa, es arte.

La colección que se presenta evidencia la coherencia de Gálvez donde podemos encontrar la fusión de toda una carrera que se inicia en  1993.

Su estilo es el resultado de una evolución donde nada es casual. Todo tiene su porqué.

Siempre interesado en la cerámica étnica, en sus obras detectamos desde el inicio una predilección por plasmar las caras con inspiración en artistas como Guayasamin o Picasso, Modigliani, Cocteau y una pasión por el orfismo de Sonia Delaunay. A partir del 2008, su cerámica se hace más esencialista, dando lugar a formas escultóricas en las que el movimiento de las piezas y del blanco y negro predomina, pero sigue siendo reconocible la continuidad de su línea de trabajo. Va dejando aparte la policromia inicial desprendiéndose de lo que considera innecesario. Es una transición de gran belleza, y sobre todo necesaria en su evolución como artista, que está en permanente encuentro con las influencias que su sensibilidad le requiere.

Esta continua evolución le obliga a navegar en lo ya hecho y en lo que quiere, fusionando toda una carrera de trabajo en una búsqueda continua de la perfección.

Es sobre todo a partir de 2017, en el que empieza a abandonar la linealidad de formas para dotar a sus obras de “alas” que sobresalen como un capricho de la naturaleza y donde se ven las influencias de todo su trabajo anterior conjugando cierto minimalismo con los colores tímidos pero precisos.